Matthew Kopp & Jimmy Wilnewic

Strange Familiars

4 Nov – 30 Nov
Vernissage 3 Nov 7pm

The work of Jimmy Wilnewic and Matthew Kopp draw from the traditions of surrealism, expressionism and outsider art.

Jimmy Wilnewic’s work employs expressionistic line and color sprinkled with glittery camp. Surrealistic landscapes are often inhabited by unusual creatures and humorous oddities.

Matthew Kopp creates totemistic portraits revealing splintered introjects, alter personalities, bizarre deities, and pensive expressive abstractions

The painting, prints and drawings of both artists explore uncanny symbolic images that are psychological in tone and content.

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Die Kunst von Jimmy Wilnewic und Matthew Kopp ist inspiriert vom Surrealismus, Expressionismus und der Außenseiterkunst.

Jimmy Wilnewic’s Malerei bestreut expressionistische Linien und Farben mit glitzerndem Camp. Oft werden surrealistische Landschaften von ungewöhnlichen Kreaturen bewohnt und humorvollen Kuriositäten ergänzt.

Matthew Kopp zeichnet totemistische Porträts und introjekte, tiefenpychologische Persönlichkeitsmerkmale, bizarre Gottheiten und nachdenkliche ausdrucksvolle Abstraktionen.

Die Malerei, Drucke und Zeichnungen beider Künstler erforschen frappierende, symbolische Bilder, die in Ton und Inhalt seelentief aufzeichnen.

 

Kwame ‘Write’ Aidoo

Distant Electricity

Distant Electricity interrogates a struggling sense of ethereal belonging. A call to explore the convocation of hegemonized bodies recounting the taste of intimate light, to rediscover currents honed from the immaterial world. A sentimental approach to refuel the fundamental feelings, tap into the forgotten rituals of electronic emotions, in the circuit of polluted poetry of power-play pathways. That which reimagines the pursuit for continuity for communities with esoteric philosophies. A look at the layers that we host; the hanging hierarchies of monopolised politics, hand-me-downs from fashion to laws to curricula, shaky spout economies and belted religions that envelope faster than we could unravel our identities from.

21st century Africa ruminates on a common connection to traditional practices which webs the dream dance of ancestral spirits, weaving the sacred touch into daily facets. Distant Electricity is a candid paradox like Joseph Nii Abekar Mensah’s statement in Traditions and Customs of Gadangme’s of Ghana; “To the African, life and religion(spirituality) are inseparable.” Rural and ‘slum’ populations in urban areas in Africa are sometimes not connected to the grid of electricity transmission, as the relationship between governments and citizens looks more like that of distant healers and patients where the energy medicine is ephemeral.

 

 

Kwame ‘write’ Aidoo is a writer, multimedia artist, educator and cultural manager with a BSc. in Biochemistry from Kwame Nkrumah University of Science & Technology, Ghana(2009), International Culture Management at Leuphana University, Germany (MOOC, 2016) and Swahili at Institut National des Langues et Civilisations Orientales, France(2016/17). His work is influenced by African oral, visual, musical and spiritual traditions in tandem with experimental contemporary forms to question sociopolitical contexts or conceptual standards, and to explore how the constructs of science can be interrogated with the liberties of art.

He is the founder and creative director of Inkfluent, which organises Nkabom festival, The Write Experience, Vocal Portraits audio project, Slam Ghana for high school students aside programs to connect marginalised communities, persons with disabilities and children. He co-directs Tsale Lekema street art festival in Lome, Togo. He was long-listed for Golden Baobab children’s literature awards in 2014, and is the author of Ananse makes Aurora. In 2016, he had his debut in the contemporary art scene at Nasjonalmuseet, Oslo Norway where he collaborated in Aurora Ekvatorialis: a multimedia exhibition including an Adinkra neon light installation. Aside Ghana and parts of West Africa, he has shown work in several parts of Europe and Brazil.

kwame write/vocals
Betty Stürmer/field recording
Eduardo Delgado Lopez/bass

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Distant Electricity („Ferne Elektrizität“) stellt sich der Auseinandersetzung um übersinnliche Zugehörigkeit. Es ist ein Aufruf, zu erforschen, in welcher Zusammenkunft hegemonisierte Körper den Geschmack intimen Lichts wiedergeben, und wiederzuentdecken, welche Strömungen von der immateriellen Welt geschliffen werden. Eine sentimentale Annährung daran, unsere grundlegenden Gefühle zu bestärken, und vergessene emotionale Rituale wiederzuentdecken, im verschmutzten poetischen Kreislauf der Machtspiele. Etwas, das die Sehnsucht vieler Gemeinschaften nach Kontinuität durch übersinnliche Philosophien neugestaltet. Eine Untersuchung jener Ebenen, die wir beherbergen; die sinkenden Hierarchien der monopolisierten Politik, Übertragenes von äußerer Form über Gesetzen zu Inhalten, instabile Abflussökonomien und umschriebene Religionen, deren Entfaltung schneller stattfindet als unsere Loslösung von ihnen.

Das Afrika des 21. Jahrhunderts erwächst aus einer gemeinsamen Verbindung mit traditionellen Praktiken, die den Traumtanz der Ahnengeister zusammenwebt und alltäglichen Facetten eine heilige Dimension verleiht. Distant Electricity („Ferne Elektrizität“) ist ein offensichtliches Paradox. Wie Joseph Nii Abekar Mensah’s in „Traditions and Customs of Gadangme’s of Ghana“ beschreibt: „Für die Afrikaner sind Leben und Religion (Spiritualität) unzertrennlich.“ Sowohl viele ländliche Gegenden als auch ‚slums‘ in städtischen Gebieten in Afrika sind häufig nicht an das Elektrizitätsnetz angeschlossen; die Beziehung zwischen Regierungen und Bürgern ähnelt einer Fernbeziehung zwischen Heilern und Patienten, in der Energie als Medizin kurzlebig ist.

Kwame ‘Write’ Aidoo ist Autor, arbeitet als Künstler mit verschiedensten Medien, leistet Aufklärungsarbeit und organisiert kulturelle Veranstaltungen. Er hält einen B.Sc in Biochemie von der Kwame Nkrumah University of Science & Technology in Kumasi/Ghana (2009), absolvierte ein Fernstudium in Internationalem Kulturmanagement an der Leuphana Universität Lüneburg (2016) und studierte Swahili am Institut National des Langues et Civlisations Orientales in Paris (2016/17). Seine Arbeiten sind inspiriert von vielerlei mündlichen, visuellen, musikalischen und spirituellen Traditionen Afrikas, die er mit gegenwärtigen, experimentellen Kräften kombiniert um soziopolitische Umstände und Standards in Frage zu stellen und wissenschaftliche Konstrukte durch die Freiräume der Kunst zu erforschen.

Kwame ist Gründer und kreativer Geschäftsführer von inkfluent. Er organisiert sowohl das Nkabom Festival, The Write Experience und das Vocal Portraits Projekt, als auch Slam Ghana, ein Poetry Slam Projekt für Schülerinnen und Schüler verschiedener Highschools, und andere Projekte in marginalisierten Gemeinden, für Menschen mit Behinderungen und Kindern. Er ist Mitorganisator des Tsale Lekema Street Art Festivals in Lomé/Togo. Für seine Tätigkeiten als Schriftsteller war er 2014 für den Golden Baobab Award für Kinderliteratur nominiert. Darüberhinaus ist Kwame Autor von Ananse makes Aurora und hatte in 2016 sein Debut im Nationalmuseuam Oslo/Norwegen, wo er die Aurora Ekyatorialis mitgestaltete: eine Multimedia Ausstellung mit einer Adinkra Neonlicht-Installation. Außerhalb von Ghana und anderen Ländern Westafrikas wurden seine Arbeiten bereits in Brasilien und verschiedenen Teilen Europas ausgestellt.

DISTANT ELECTRICITY / FERNE ELEKTRIZITÄT

Performance am 29. September 2017, 21Uhr – 5€

Kwame Write/Stimme
Betty Stürmer/Aufnahme
Eduardo Delgado Lopez/Bass

Deborah Essés

Deborah Essés 

In this collection of paintings, inspired by her time living in Berlin, Esses has expanded the gaze of her popular figurative work to capture a series of group settings in a variety of celebratory modes. Turning her insightful eye on situations that normally require a degree of privacy or intimacy, she gives a public setting to these gatherings, be it an orgy or a family party, they are depicted with an unashamed openness to the proceedings. There is certainly nothing bashful about the nude or semi-nude figures in Esses’ work. Mixing a playful sense of irony and a keen eye for the grotesque she captures the reality of life as she senses it in contemporary Berlin.

Female figures are depicted with the same voluptuous shapes as seem in her previous work but with a much freer style in these recent paintings. With Esses caring much less for the technical side of things and concentrating on the expressive nature of her sprawling and vibrant figures. The paintings in this exhibition carry a sense of living life to the very fullest in a variety of ways – at the thick of it exploring limitless extremes or watching from the sidelines, a glass of wine in hand. All are equally valid from the Esses viewpoint and all captured playfully in her bold, accomplished and very unique style. Imbued in warm blocks of colour, the sunshine yellow of the beach setting or the sensual, reddish hue of the orgy. She manages to cleverly capture a certain sense of present day joie de vivre shown in a voyeuristic fashion that has become very much a part of modern living.

The artist Deborah Esses was born in Buenos Aires. She studied Fine Art at the Instituto Beato Angélico, Argentina. Was awarded a postgraduate degree from Tel Aviv University in Art History in the Middle East. Then undertook further study in Mixed Media at the Ernesto de la Cárcova Fine Arts Academy under the lead of artist and professor Alfredo Portillos. She lived many years in London where she studied at Sotheby’s Institute of Arts.

She has exhibited extensively in London, New York and Singapore among other countries and currently lives in Berlin.   Kirstie Specke

www.deborahesses.com

Deborah Esses, inspiriert von dem Lebenstil in Berlin, zeigt in dieser Ausstellung, Gruppen von Menschen in unterschiedlichen privaten Situationen.

Diese privaten Situationen finden in der Öffentlichkeit statt. Es gibt keine Intimität mehr.

Esses, die in Argentinien geboren wurde, zog, nachdem sie in London gelebt und gearbeitet hatte, 2016 nach Berlin. Hier hat inzwischen ein Atelier.

Sie hatten Ausstellungen in London, New York und Singapore, wie auch in weiteren Europäischen Ländern und Süd Amerika.

 

Boaz Balachsan

During Berlin’s 2017 Art week we presented Boaz Balachsan (aka BZB), the multidisciplinary Israeli artist.

10-17 September // PASAŽ //

Inspired by Street art, Folk art, Typography, Ethnography and Berlin’s contemporary subculture, The Passage is a place of transition, a place in between homes, memories and experiences.

A place in between the old and the new, referring to the experience of intercultural fusion and immigration as a constant state of the human experience.

The exhibition consists of original artwork and musical soundscapes, created specifically for the exhibition, expressing an atmosphere of a passageway through a hive of patterns, compiling a continuously forming new and unspoken language, which is a mixture of modern and ancient Various Scripts (Mostly European, middle eastern and some asian scripts), representing a beginning of a new time for connection and expression.

The exhibition begins and ends with a “Rite De PasaŽ” : A ceremony for the opening and closing of the space inbetween, allowing the visitors to go through a collective experience of reflection and observation, while providing a place for change.

During the opening and closing, the artist will document “one-word wishes” by the visitors and translate them into the new language.

About the Artist :

Boaz Balachsan is an Israeli multidisciplinary artist and designer. Fascinated by the human condition and its connection with nature, Boaz enjoys in creating work that tells a story and still allows plenty of room for interpretation. A former Anthropology student and a graduate of the Bezalel Art Academy in Jerusalem, his work exhibits bright and playful ideas through fascinating characters, imaginary Flora, and geometric patterns, all of which are inspired by folktales, philosophy, and his own personal view on life and culture.

Boaz is currently based in Berlin, where he manages the Werkstatttraum art & design collective and continues to showcase his talent for beautifully stylized ideas through various mediums such as Illustration, Graphic Design, Tape-art, Street-art, and Animation. His animated works have been screened in many festivals around the world and received numerous awards.

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// PASAŽ //

Eine Einzelausstellung von Boaz Balachsan // BZB

Berliner Kunstwoche 2017 (10-17 Sep)

Während der Berliner Kunstwoche 2017 wird Boaz Balachsan, ein Berliner Künstler aus Israel, in der Premarts Galerie in der Oppelner 34 ausstellen.

Inspiriert von Streetart, Folk art, Typografie, Ethnografie und Berlins zeitgenössischer Subkultur, ist diese Ausstellung ein Ort des Wandels und der Veränderung. Die „Passage“ bildet einen Raum für alles was dazwischen liegt – zwischen den Erinnerungen, Erfahrungen und all den Orten die Heimat bedeuten; ein Raum zwischen dem Alten und dem Neuen, in dem die Erfahrung der Immigration und der Verschmelzung von Kulturen als ein immerwährender Zustand des Menschseins liegt.

Die gezeigten Kunstwerke und Klanglandschaften wurden speziell für die Ausstellung erstellt. Sie erzeugen die Atmosphäre eines Wegs durch vielschichtige Muster, die sich zu einer neuen und sich stetig formenden nicht gesprochenen Sprache zusammensetzen. Diese stellt eine Mischung aus verschiedensten modernen und alten Schriften dar (vor allem aus dem europäischen Raum, dem Mittleren Osten und Teilen Asiens) und repräsentiert den Beginn einer Zeit neuer Verbindungen und Ausdrucksformen.

Die Ausstellung beginnt und endet mit dem Ritual „Rite De Pasaž“ – eine Zeremonie für das Eröffnen und das Schließen des Zwischenraums. Durch die Zeremonie bekommen die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit an einer kollektiven Erfahrung teilzuhaben, welche durch Reflektion und Beobachtung geprägt ist. Auch wird ein Raum geschaffen, der Veränderungen zulässt.

Sowohl zu Beginn als auch am Ende wird der Künstler „Einwort-Wünsche“ der Besucherinnen und Besucher dokumentieren und diese in die neue Sprache übersetzen.

Über den Künstler:

Boaz Balachsan ist ein multidisziplinärer Künstler und Designer aus Israel. Er studierte Anthropologie und erwarb einen Abschluss an der Bezalel Art Academy in Jerusalem. Fasziniert vom Wesen des Menschen und seiner Verbindung zur Natur kreiert Boaz Kunstwerke, die Geschichten erzählen und dennoch viel Raum für Interpretation lassen. Seine ideenreichen und verspielten Arbeiten sind besonders durch faszinierende Charaktere, fiktionale pflanzliche Formen und geometrische Muster gekennzeichnet. Sie sind inspiriert von Philosophie, Volksmärchen und der Sichtweise des Künstlers auf Leben und Kultur.

Boaz lebt aktuell in Berlin, wo er das Kunst und Design Kollektiv Werkstatttraum leitet und weiterhin seiner Kreativität durch Illustrationen, Graphic Design, Tape-art, Street-art und Animationskunst Ausdruck verleiht. Seine Animationsfilme wurden international auf Festivals gezeigt und erhielten zahlreiche Preise.

Vielen Dank an: Shay Gov hari (Production), Kfir Harbi (Photography), Roi Assayag aka The Tropikal Camel, Sascha Knoch aka HashII von Sonnemondundmango (Music), Manuela Garcia Aldana (Ritual), Werkstatttraum Kollektttiv (Bar) und ein großer Dank geht an die Tape That Crew für all ihre Unterstützung.

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Joe Hayes

 Hype by Joe Hayes

Article on Hype by Joe in Lola magazine.

Artist and Bronx-native, Joe Hayes, aka “Joe By Joe”, makes his international debut.

The journey from the Bronx to Berlin has been a process as Joe partnered with PremArts to participate in a summer residency – turning the gallery into an open working artist studio. He landed in Berlin on June 6th with nothing but his paint brushes, passion and ideas.

Almost two months into his residency he has produced a truly powerful body of work that is alive with spirit. His latest subject, HYPE, is something close to his heart as Joe is a product of the NYC underground scene and has seen how the idea of fame and power has shifted the focus of the young creatives. With this exhibit Joe discusses how “hype” has affected culture both positively and negatively.

HYPE reflects on the fact that we live in a time of rapid change where we need the wild thinking and making of artists. Images of pictures, language, videos, stories, and bodies inundate us daily. Artists are responsible for that sliver of images that are made only for cultural, spiritual, political, and emotional rather than commercial reasons – art and entertainment do different things: entertainment distracts our attention and art focuses, highlights, and questions it.

HYPE will  address youth and media culture. The overwhelming need to be popular on social media, to “be cool” and buy the trendiest clothing has a serious impact on youth and taken commercialism into new realms. Hypebeasts are people who obsess about the latest brand or trend in fashion, and will do whatever it takes to obtain that desired hype. However, not everyone that wears these brands are hypebeasts. HYPE addresses the impact of this trend on youth culture, while hyperbolizing the fine line between being a slave to the brand and the brand abusing hype-culture.

Joe Hayes is a Bronx born painter, chef, creative consultant, and cultural provocateur. Hayes has made a name for himself displaying public art throughout Manhattan and curating shows, as well as using the culinary world as a vehicle for his raw and authentic form of expressionism.

The Bronx native turned heads with his solo show “WHITE” in 2015 at Caelum Gallery, “Untitled” at Rogue Space, and “Don’t Die”. Whether it is his past history with Interscope Records, being brand manager for fashion designer Brian Wood, or his extensive work in the culinary arts, Hayes has his hand in a variety of artistic mediums which fuels his primary focus in the fusion of painting, street art, and cooking. All mediums reveal his deep understanding of love, struggle, pain, intense emotion and human experience.  JoebyJoe.com

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Stephan Andreas

Exhibition and Drawing Workshops

Painter and sculptor Stephan Andreas was born in the fringes of East Berlin at a time when the first plaster crumbled down the Berlin Wall. His work explores greed, crisis and downfall as well as human convention. It has been exhibited at Spring Studio New York; Alchemical Theatre Laboratory and Funkhaus Berlin amongst others. He completed his undergraduate studies in social work at the Alice Salomon University of Applied Sciences Berlin. He is a recipient of the Fulbright scholarship, which has enabled his arts studies at New York University’s Gallatin School of Individualized Studies, where he majored in arts and public policy.  stephanandreas.com

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Sloppy Handjob ist eine Ausstellung die sich einer Malweise widmet die da eben schlampig und luderig ist, die sich keine Platte macht und der es egal ist was sie sagt. Sie ist jedoch nicht abstrakt. Nicht weil es ihr nicht beliebt, sondern weil sie sich eben der Form und der Anatomie verpflichtet fühlt. Auf spritzig, kleckriger Weise will sie die Leichtigkeit wiederentdecken und der alltäglichen Freude über Hände und all das was wir mit ihnen bewegen das schlechte Gewissen nehmen.

 

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Niels Kalk

// Absurd Ditties // 

The world is an absurd and extraordinarily silly place, with everyone taking themselves very seriously.  From this point of view, Berlin-based collage artist Niels Kalk will take you to a world of his own, where logic mixes with illogic and where quirky looking characters find themselves in often meaningless and absurd situations.

For the whole month of October, the artist will take over the gallery to show a variety of handmade collages he created over the years. As nothing in life is certain, this may result in a number of exhibitions which will give our futile existence a little bit more meaning.
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// Absörd Dittis //

Die Erde ist ein absurder und außergewöhnlich alberner Ort, an dem sich alle ungemein wichtig nehmen. Hiervon ausgehend lädt der in Berlin lebende Collagen-Künstler Niels Kalk in seine ganz eigene Welt ein, wo Logik und Unlogik zusammenkommen und schräge Figuren sich in absurden und wahnwitzigen Situationen wiederfinden.

Den ganzen Oktober über wird er die Gallery PremArt bespielen. Er zeigt dort unter anderem eine Vielzahl handgemachter Collagen aus den letzten Jahren. Und da nichts im Leben so sicher ist wie der Tod, kann dies zu einer Reihe von Ausstellungen führen, die unserer nichtigen Existenz ein wenig mehr Bedeutung geben.

www.nielskalk.com

instagram.com/nielskalk

Pop Up Photo Studio 07 © Meydenberg 
Dencker&Schneider Art Gallery
August 2017

 

 

 

 

 

 

 

Juliane Vonna Schönhauser

Juliane Vonna Schönhauser
Füliebnehmen

Juliane Vonna Schönhauser is an artist from Berlin. Her paintings show people in their daily lives, from yesterday to today. Her art is precise and yet abstract. The view is directed mostly onto the human being and beyond into eternity.

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Juliane Vonna Schönhauser ist eine Künstlerin aus Berlin. Ihre Bilder zeigen Menschen aus dem Alltag, von Heute und Gestern. Ihre Malereien sind konkret und doch abstrakt. Der Blick fällt immer auf den Menschen und dahinter in die Ewigkeit.

ccc

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Bernard Bolter

The Gates of Perception / Die Tore der Wahrnehmung

As a conclusion to his DIY residency in Berlin, Bernard Bolter presented his new series of mixed media paintings of the historical Gates of Berlin.

A contemporary American artist, Bernard is working primarily between the mediums of paint and photography. He is a Cityscape artist; from growing up skating in the streets to traveling international streets, cities have been his inspiration and material.

‘To be human, is in itself an art, as seen through the creative problem solving everyone uses to survive. Art can be so specific and specialized that we’re not even sure sometimes if anybody is making any new art. It can be such a mystery that no matter what time period you were to have lived in, there was always somebody saying that it’s all been done before. I work to contribute somewhere in the middle of this spectrum, with a nod to what has been built upon in the past with a sense of the universal.’   http://bernardbolter.com

Hallesches Tor 1894

 

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Woods – an incomprehensible passion

Woods – an incomprehensible passion

Project Photography Class Neukölln have been cultivating the special relationship to the woods which Germans are said to have. Artists Annekatrin Buhl, Angelika Dierkes, Andrea Höhne, Christine Kurka, Ulrike Ludwig, Andreas Machate, Konstanze Müller-Kitti, Judith Pfannenmüller, Anna Rittweger and Susanne Schmidt illuminate mutiple aspects of this relationship in this compelling photographic series.  Chaotic and unstructured; fairytale-like and mysterious; romantic and nostalgic – the continual mystery of the woods is unveiled.

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Wald – eine unverständliche Leidenschaft

Die Projekt-Fotoklasse “Wald – eine unverständliche Leidenschaft” unter der Leitung von Ulrike Ludwig hat sich mit dem besonderen Verhältnis zum Wald auseinandergesetzt, das man den Deutschen gemeinhin nachsagt. Ganz unterschiedliche Aspekte haben Annekatrin Buhl , Angelika Dierkes, Andrea Höhne, Chrsitine Kurka, Andreas Machate, Konstanze Müller-Kitti, Jutdith Pfannenmüller und Susanne Schmidt in ihren Bildserien umgesetzt. Mal ist es das Chaotische und Unstrukturierte, dann auch wieder das Märchenhafte und Unheimliche oder Romantische, das in den Bildern zur Sprache kommt.

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